Billede: Miles Aldridge
DCW: Hvordan har fotografering ændret sig siden skiftet til digital, siden du startede?
MA: Mange ting har ændret sig, siden jeg først tog et kamera for at blive professionel fotograf. Jeg skyder stadig på film, selvom jeg skyder på digital, hvis det er en deal-breaker for en bestemt klient. Men en af de største ændringer er, at jeg arbejder meget mindre i konventionel reklame, og jeg tror, det er sket på grund af væksten i sociale medier.
De klienter, der plejede at bruge deres budgetter på store fotograferingsskud, bruger nu dette på en blanding af det og sociale medier. Jeg tror, de fleste mennesker er enige om, at investeringen i reklamefotografering kun er - og jeg risikerer et gæt her - kun omkring 10% af, hvad den var for 20 år siden. Det er et meget andet landskab.
Da jeg startede, var magasiner meget flydende og spændende. Før internettet havde magasiner et virkelig kvælningsgreb over forbrugeren, og det var en af de vigtigste måder at få din besked videre. Når internettet startede og begyndte at love klienter, at det kunne fokusere deres målgruppe og endda give feedback om, hvor mange mennesker der så deres annoncer og så videre, blev forslaget om en magasinreklame mindre og mindre tiltalende. Selvfølgelig gjorde magasiner alt, hvad de kunne for at få annoncører tilbage og tilbød billigere og billigere priser, forestiller jeg mig. Nu er det ikke længere den vigtigste del af nogens reklamekampagne.
Da jeg startede, var situationen klar: hvis du var en god redaktionel fotograf, og du lavede mange redaktionelle artikler til de rigtige magasiner - Vogues osv. - ville du få mange reklamekampagner til at skyde. Og de penge, du tjente på reklamekampagner, kunne også derefter bruges på at få dine ledere til at se endnu bedre ud, fordi magasinerne ikke rigtig støttede fotograferne. Der ville være et grundlæggende budget, men hvis du ville gøre noget særligt - som jeg altid gjorde - skulle du selv betale for det.
Den slags dynamik var der, da jeg startede, og det forblev sådan, indtil internettet blev etableret. Hvis du bladrer gennem magasiner fra midten af halvfemserne, vil du se, at annoncering er langt mere aggressiv, fed og usædvanlig. Jeg vil endda sige kunstnerisk. Nu ser reklamebilleder ud til, at de kunne blive taget af den samme fotograf. Der er en slags grundlæggende krav nu bare at fotografere tøjet eller hvad det end er. Der er ingen reel interesse fra annonceringsklienten om at have noget kunstnerisk, vil jeg sige.
Tror du, at der er et element af folk, der ikke ønsker at tage de samme risici som før?
Det kan de ikke. Jeg tror, at når branchen er fyldt med frygt - den ene recession efter den anden eller internettets løfter om at give disse mærker masser af penge - bliver den ret hul. Frygten for, at dette indpodede mennesker, der investeres i disse projekter, får dem til at tænke, at det måske ikke fungerer, så de må hellere ikke ødelægge det, og det er derfor ikke værd at risikere noget. Jeg tror, at når du er i en sådan situation, vil det kun skabe meget, meget kedeligt arbejde. Så ja, for at besvare dit spørgsmål synes jeg folk er bange for at lave risikable eller interessante billeder.
Hvis du går tilbage omkring 20 år eller deromkring, var markedet ikke så globalt som det er nu, med det samme billede, der skal appelere til et publikum i Saudi-Arabien eller Indien eller Afrika. Når dit publikum er så stort, påvirker det det, der er acceptabelt fra et visuelt synspunkt. Hvad vi eller jeg måske finder interessant i et billede, fordi det vedrører en film eller et teater, hvor de kulturelle referencer er meget klare, forstås muligvis ikke af nogen i Saudi-Arabien, og de kan blive fornærmet af det. Så annoncører skal spille et omhyggeligt spil i det, de viser.
"Jeg synes, folk er bange for at lave risikable eller interessante billeder."
Miles Aldridge
En af de ting, der virkelig er ændret siden jeg startede fotografering, er at reklamefotografering er blevet virkelig uinteressant. Da jeg startede, var visse modemærker som Jil Sander det absolutte mål. Jil Sander blev set som det sixtinske kapel inden for modefotografering, den hver fotograf ville have. Jeg tror ikke, at der er nogen standout-reklamekampagne, som enhver fotograf synes er værd at gøre i disse dage, selvom Gucci stadig ser ret godt ud for at være retfærdig.
Du fotograferede stjernerne på Game of Thrones for tidsskriftet TIME for nylig. Hvordan er det sket? Dette adskiller sig meget fra det, du er kendt for. Gjorde du det som svar på, at branchen ændrede sig på en eller anden måde?
Jeg har lavet billeder på samme måde intermitterende i min karriere. Der var et billede, jeg kaldte Like a Painting for Italian Vogue i 2008, og dette blev inspireret af en renæssancemaler ved navn Pisanello. Game Of Thrones-projektet i 2017 blev for det meste inspireret af en nordrenæssancemaler kaldet Lucas Crannach, men også lidt inspireret af Albrecht Dürer, den anden store nordlige renæssancemaler. Jeg er i stand til at hente inspiration fra film, bøger og maleri, og jeg elsker kunsthistorien; hvis det er inspirerende, er jeg meget glad for at tage en reference fra noget, der er 500 år eller mere. Jeg synes, det er altid vigtigt at bringe et Miles Aldridge-spin til det, så jeg vil aldrig nogensinde bare lave en direkte fotokopi af et maleri - jeg synes ikke det er interessant. Jeg kan godt lide at bringe et element i mit mere kendte arbejde til det, selvom det har en gammel eller antik reference.
På Game Of Thrones-optagelsen arbejdede jeg rigtig hårdt med scenografen for at have stoffer, der var mere valmue, med en bredere farvepalet, for at give en slags moderne twist til disse historiske billeder. Fordi GOT er fantasi og fiktion, der er baseret i dette parallelle univers, forsøgte jeg at tænke på en måde at lave portrætter både enkeltvis og som gruppeskud, der refererede til hvad GOT handlede om, men også at tilføje noget andet. Så ved at binde det til denne nordlige renæssancetradition med disse meget enkle portrætter med et symbolsk element som en blomst eller et stykke frugt. Der er et meget berømt Leonardo da Vinci-maleri af en pige, der f.eks. Holder en væsel.
"Hvis det er inspirerende, er jeg meget glad for at tage en reference fra noget, der er 500 år eller mere."
Miles Aldridge
Det var de slags regler, så længe jeg vedtog dem, kunne jeg derefter tilpasse billedet ved hjælp af min signaturbelysning, farve og klarhed. Det var noget, jeg deler med disse kunstnere: De havde et obsessivt øje med at optage detaljer. Den måde, jeg tænder på, og den måde, jeg bruger mit kamera på, betyder, at jeg fanger en ekstraordinær mængde detaljer svarende til et nordlig renæssancemaleri fra den periode.
Vil du sige, at malerier har større indflydelse på dig end andre fotografer?
Jeg er bestemt blevet påvirket af andre fotografer som Helmut Newton, Guy Bourdain, Irving Penn og Richard Avedon. Jeg finder ikke kun det billede, de lavede, interessant, men også hvordan deres karriere flyttede mellem at arbejde for magasiner og personlige projekter. Avedon arbejdede med udstillinger og bøger, og det samme gjorde Newton og Bourdain. Avedon gjorde også meget politisk arbejde. Jeg finder deres karriere inspirerende, og nogle af deres billeder er virkelig fantastiske, men jeg tror, at hvis du kun tager inspiration fra andre fotografer, vil du sandsynligvis kun være mildt vellykket med den tack.
I stedet for altid at være fotograf, har jeg altid ønsket at blive filmskaber eller instruktør, og jeg var altid meget inspireret af de billeder, jeg kunne se i biografen. Da jeg fik en chance for at blive fotograf, selvom jeg havde andre fotografer som nogle af mine helte, var jeg meget begejstret for, at jeg også kunne lave billeder, der føltes som stillbilleder fra de film, jeg elskede. Eller en sammenblanding mellem en kopi af Vogue og en film som en film stadig, men modellen havde på sig noget, der var vigtigt for bladet, og det hele sammen blev noget nyt. Og det er sandsynligvis grunden til, at der er interesse for mit arbejde, fordi det ikke kun refererer til andre fotografer i fortiden eller renæssancen eller endda bare biografen. Jeg har et skæglignende sind, der ser noget ét sted og noget andet fra et andet og bygger derefter et billede, der er personligt, men som også refererer til andre ting, jeg er interesseret i.
Med hensyn til filmfremstilling ved jeg, at du tidligere har instrueret nogle musikvideoer. Er det noget, du forestiller dig at være mere af? Eller måske flytte ind i spillefilm?
"Da jeg fik en chance for at blive fotograf … var jeg meget begejstret for, at jeg også kunne lave billeder, der føltes som stillbilleder fra de film, jeg elskede."
Miles Aldridge
Jeg ville aldrig sige aldrig, men jeg lavede popvideoerne, før jeg selv tog et kamera, så det er sandsynligvis omkring 25 år siden nu. Jeg var meget heldig, at jeg faldt ind i den karriere, og jeg gjorde det i et par år. Jeg var ikke så god, og folk var meget tålmodige med mig - de lod mig dybest set rod med et filmkamera. Men jeg lærte meget om at gøre det. Jeg lærte meget om at bygge sæt og skabe disse filmrum. Jeg lærte lidt om belysning fra at tale med kameramænd, jeg arbejdede med. Jeg lærte også om at styre en stor gruppe mennesker, et stort sæt på en stor shoot. De fleste af disse videoer havde omkring 30 personer der udførte forskellige opgaver, og på mine skud er der sandsynligvis en lignende mængde mennesker. Det er altid en hel produktion.
Jeg synes, det var meget nyttigt at få mig til at stille spørgsmålstegn ved, om jeg virkelig ville være filmskaber, fordi jeg havde svært ved at sætte en signatur på billedet, da jeg lavede popvideoer. Da jeg var fotograf, følte jeg, at jeg kunne gøre noget, hvor jeg virkelig havde underskrevet det, som om det var mit image. Jeg synes, at filmfremstilling er en meget mere samarbejdsproces; du skal virkelig arbejde med filmfotografen som instruktør, og de vil have stor indflydelse på, hvordan alt ser ud. Du er nødt til at give slip på en del af din egen æstetik. Så fordi jeg gjorde det først og fandt ud af, at det var en ganske kamp, da jeg kom til fotografering, hvor jeg i det væsentlige var instruktør, producent og kameramand på én gang, følte jeg, at jeg havde denne autonomi, som jeg ikke havde haft før .
Jeg kunne også godt lide den måde, fotografierne blev set på, hvilket jeg mener i et magasin. Da jeg begyndte at udføre mere arbejde, begyndte de at blive inkluderet i bøger og gallerier, og nu er de endda på museer. Og det kunne jeg godt lide i forhold til en popvideo, som dengang kun nogensinde blev set på tv. Nu ser du det på YouTube, måske på din iPhone. For mig var slutresultatet noget, jeg var interesseret i. Jeg var meget glad for at lave noget, der skabte et print, noget der varede, noget der var smukkere at se på end på en tv-skærm eller en iPhone, som jeg synes er en ubehagelig måde at se tingene på.
På det punkt, hvis der var en kunstner, som jeg kunne lide, der ville have en popvideo, og der var frihed til at være kreativ, ville jeg være interesseret. Men ligesom alle disse andre ting, vi taler om, tror jeg, at musikbranchen har haft tarmene rippet ud af det økonomisk, så du vil kæmpe.
Du taler på The Photography Show i år. Hvad har du planlagt?
Jeg leger stadig med det, jeg vil diskutere, men jeg har kaldt det 'Color af Miles Aldridge'. Jeg synes, at farve er et uendeligt fascinerende emne inden for fotografering. Jeg elsker at samle gamle fotografibøger og magasiner og se, hvordan farverne har udviklet sig i forskellige filmbeholdere gennem fotografiets historie.
"Jeg tror, at hvis du kun tager inspiration fra andre fotografer, vil du sandsynligvis kun være mildt vellykket med den tack."
Miles Aldridge
Den åbenlyse her at diskutere er Kodachrome. Gennem 1940'erne og 1950'erne og endda i 1960'erne var den tonale rækkevidde af den film ekstraordinær, og den skabte en kødton, der har været meget svær at replikere lige siden. Jeg skyder på farvenegativ Kodak-film, og jeg prøver at behandle den i efterproduktion for at give den den samme kvalitet, som jeg elskede fra de tidlige fotografier.
Jeg vil diskutere, hvordan farve har en effekt på billedet, og hvordan farver fungerer i fotografering for mig. Når jeg f.eks. Tænder et emne, kan jeg godt lide at lægge et element blå eller grønt i skyggen, så der er en slags kølighed i skyggerne og lidt mere varme i højdepunkterne. Så jeg vil tale om subtile ting som det, og også hvordan en farveblok kan have en utrolig effekt på billedet, når det kolliderer med en anden, og hvordan jeg bringer det ind i billedet ved at arbejde med mine scenografer, make- op kunstnere, stylister og frisører inden optagelsen. Mellem os samarbejder vi og skaber en palet.
Jeg maler ofte akvareller og tegner skitser på forhånd, og med det kan jeg visualisere, hvordan et fotografi bliver. Jo mere jeg gør det, jo mere tillid har jeg til optagelsen, at farverne hænger sammen og giver en god æstetik. Jeg vil ikke bare gøre noget, der føles sikkert og pænt. Jeg vil meget hellere tilføje et par flere farver og lave en mere destabiliseret palet. Det er det, jeg prøver på at få, noget som ved første øjekast kan være lidt for meget, men når du arbejder med det, er du i stand til at orkestrere det og komponere det, så nogle af de farver, som du ikke troede kunne arbejde ender med at arbejde. Jeg tror, det er sådan, du opretter moderne billeder.
Jeg er altid opmærksom på fortiden, hvad enten det er et renæssancemaleri fra fem hundrede år siden eller en David Lynch-film fra 1980'erne. Jeg har et stort katalog med visuelle referencer, men disse tager dig kun så langt - jeg tror, du virkelig har brug for at eksperimentere. Du kan eksperimentere i fotostudiet til en grad, men når du er i et studie med yderligere 30 personer, vil du ikke have, at alle venter på dig. Så jeg prøver at gøre meget af det på forhånd alene.
Ville du sige, at din tale vil være mere gavnlig for en person, der skyder portrætter og ønsker at få en bedre forståelse af farve? Måske nogen, der ønsker at eksperimentere og tage kreative risici?
Måske ja. Det er klart, jeg tror, at foredraget vil appellere til folk, der kan lide mit arbejde. Jeg er ikke sikker på, hvordan jeg kan påvirke dem med hensyn til deres egen karriere - det er virkelig op til dem at tage noget fra mit arbejde, på samme måde som jeg har taget bits og stykker fra Avedon og Newton og så videre. Forhåbentlig vil der også være nogle gode historier derinde. Min karriere har været en lang interessant rendezvous med forskellige mennesker og forsøgt at få ting til at ske. Det hele har været meget sjovt, men det gøres ikke i et vakuum. Det er gjort med mange andre mennesker.
Jeg antager, at mange mennesker ikke nødvendigvis sætter pris på hæren af mennesker bag at få det billede til at fungere. De ser bare fotografernes navn og tænker på det som deres.
Muligvis, ja. I slutningen af dagen skal fotografen afmelde det. Det er en samarbejdsindsats, og deres arbejde er meget værdsat, men det er fotografen, der skal underskrive det, og det lever eller dør af fotografens talenter.
Hvilket sæt har du tendens til at bruge?
Jeg skyder stort set udelukkende på et Rolleiflex 6008 kamera. De linser, jeg plejer at bruge med dette kamera, er en 90 mm linse, som er min go-to-linse, og der er en 120 mm linse, som jeg også bruger meget. Det er de to, jeg primært bruger. Jeg bruger også et 180 mm objektiv, hvis jeg skal zoomes mere ind, og jeg går sandsynligvis så bredt som en 50 mm.
Jeg skyder med Broncolor-belysning, og alt er flash. Jeg kan godt lide Flooter, som de laver (ovenfor), som er en version af en Hollywood Frenel.
Jeg skyder på Kodak Ektar 100 ASA-film. Jeg skyder ikke rigtig så meget digitalt, men når jeg gør, har jeg en tendens til at skyde på en Leica S med nogle prime linser. Jeg finder Leica har en bedre filmisk gengivelse end de andre mærker.
Miles Aldridge taler på The Photography Show den 20. marts. Klik her for at få flere oplysninger og booke billetter
